EXHIBITIONS
2015
MJC Neuilly/Seine, France - January/February
Galerie des Bonnes Soeurs, Paris IXe - Spring/Summer
Théâtre des Sablons, Neuilly/Seine, France - September
IXe arrondissement townhall, Salon Aguado, Paris - Fall
2019
Galerie IESA, Paris XIe - April
Laboratoire Negatif Plus, Paris Xe - Summer
San Francisco French Alliance, California - August
2021
Florence Biennale, Italy - October
2022
Claudia Castillo Gallery, Wilton Manors, Florida - Spring
Artesio (Corps/Peau(rel) exhibit) in Brussels - Fall
2023
Jo&Z Lab : IntiMystic - Explorations de New York à Paris - March
Claudia Castillo Gallery, Wilton Manors, Florida - Summer
Finalist, Imprudence NYC series @ Black & White Photo Awards
2024
Amsterdam Whitney Gallery, New York City - Winter/Spring
Xposure 2024, United Arab Emirates - Winter
Honorable Mention, Imprudence Paris series @ PISPA 23
ArtExpo, New York City - Spring
Honorable Mention, CFA “NY I love you” contest
ABOUT
Joachim Lombard has been photographing the streets of Paris and Manhattan for more than 25 years. His curiosity for photography began while studying film at NYU in the mid 90s, where he taught himself shooting and darkroom techniques. Lombard’s has a diverse admiration for visual artists ranging from Brassaï to Kertész and Gruyaert. Josef Sudek is on top of the list. He favors the works of Dutch, Italian and Spanish Renaissance painters. He is especially intrigued by the Chiaroscuro technique, famously mastered by Rembrandt, da Vinci, and Caravaggio.
Lombard’s photography is centered around four specific themes: doors, reflections, details of people, and everyday life objects. He uses analogical equipment: a Pentax K1000, a 55mm lens and Tri-X black and white Kodak film.
Lombard’s “Door” series is inspired by his belief that doors are gateways into the intimate details of the inhabitants' who reside behind them. They speak about our current position in life and the who, what and where of our day to day lives. Since 1996, he has systematically combed through every district of Paris and Manhattan, shooting over 4,000 photos. Joachim affectionately refers to them as his “two homes.”
The “Door” series reveals a unique view of these eclectic and extraordinary cities. He aims to capture them from a new perspective, far removed from the traditional stereotypes. While Manhattan and Paris are both known for their pampered residential neighborhoods and seductive storefronts, they are also surrounded by streets and alleyways often described as “abandoned” or “disinherited.” It is within these alleyways that Lombard finds true brilliance, mystery and beauty.
He identifies primarily with socioeconomically challenged neighborhoods. He seeks to demonstrate their elegance and life which many have trouble seeing. However, his work does not only revolve around this. To him, “good” art isn't associated with progressive human values. Good art is “good” only because it is inherently beautiful. It is a combination of aesthetics, and the artist's ability to transform his feelings into something he thinks is beautiful.
Both in life and photography, Joachim has always forged his own way, avoiding mainstream “norms.” He feels it is more interesting to venture into the unknown and attempt a different path. (This is also likely due to the fact he has a problem with authority!). For example, his decision to use analog equipment as opposed to digital photography, is one of the ways he rebels against conformity. As Italian art critic Elena Micheli stated “There's a sense of rebelliousness in Joachim's work. Sticking to the classicism of analogic equipment is defiant in today's Instagram world. But what comes out foremost in his photos is a deep sense of loneliness.”
When you regularly take a step away from the crowd, you walk on a distinct lonely path. It enables you to leave space for your feelings and imagination to flourish and explore a rich interior universe. This greatly contributes to the strong sense of identity and personality which emerge from Lombard’s work.
Joachim Lombard est photographe depuis 25 ans. Il a appris les techniques de prise de vue et de chambre noire au milieu des années 90 de manière autodidacte. Il étudiait alors le cinéma à NYU. Parmi ses références artistiques, les peintres hollandais, italiens et espagnols de la Renaissance, et la technique du Chiaroscuro. Parmi les photographes qui l’inspirent, il y a Brassaï, Kertész, et Gruyaert. Josef Sudek est son favori. Joachim travaille sur quatre thèmes différents : les portes, les reflets, des détails sur les gens, et les objets de la vie quotidienne. Il n'utilise que du matériel analogique : un Pentax K1000, un objectif 55mm et des films Kodak Tri-X noir et blanc.
Sa série de portes s'inscrit dans la catégorie « photographie de rue ». Depuis 1996, Joachim a exploré tous les quartiers de Paris et de Manhattan, ses 2 villes de coeur. Plus de 4000 photos ont été prises. Les portes sont des passerelles vers l'intimité des habitants. Le travail de Joachim révèle 2 villes très diverses et éclectiques, éloigné des stéréotypes. Des villes avec des quartiers pomponnés, des façades de magasins séduisantes, qui ont une photogénie évidente. Mais aussi avec des quartiers décrits comme abandonnés ou déshérités, dont l'éclat, le mystère et la beauté se dévoilent avec une puissance égale et parfois supérieure.
Joachim s'identifie toujours en premier lieu aux quartiers pauvres et ouvriers, avec le désir de les représenter dans leur beauté urbaine. Mais ce n'est pas la composante la plus importante de son travail. Selon lui, une œuvre d'art est réussie non pas parce qu'étant lié au progrès social ou à des valeurs humanistes, mais juste parce qu'elle est belle. Ce qui compte avant tout, c'est l'esthétisme : comment un artiste essaie de transformer ses sentiments en quelque chose qu'il croit être beau.
Dans tout ce qu'il fait, Joachim s'est toujours écarté de la norme. Non pas à cause de ses convictions politiques, simplement parce qu'il pense que ce qui se passe en marge est intéressant. C'est peut-être aussi parce qu'il a parfois du mal à accepter l'autorité !… Aujourd'hui, ne pas céder à la facilité du numérique est une façon de désobéir. Comme le dit Elena Micheli, une critique d'art italienne, “il y a un sentiment de rébellion dans le travail de Joachim. S'obstiner à ne photographier qu'en argentique est un défi dans le monde actuel d'Instagram. Mais ce qui ressort avant tout de ses photos, c'est un profond sentiment de solitude.” Son travail reflète l'ère individualiste et dépeint son "style hors norme". Joachim parcourt son propre chemin, et cela lui permet de cultiver un riche univers intérieur. C'est peut-être la raison pour laquelle son travail a beaucoup de caractère.
FROM THE PHOTOGRAPHER
In order to preserve myself and retain focus in a world that constantly steals our attention, I choose to work on a specific subject matter over long periods of time. I always use the same analogical (silver-based) equipement which requires long stages of time and patience.
About choosing unique subject matters: many may consider this to be constraining, rather than an opportunity for creative freedom and expansion. This thought is not lost on me. I often ask myself: “How can I deepen and renew the way I photograph the same subject?” Any subject can become remarkable. With the proper amount of attention and of course…patience.
Taking photographs requires a specific kind of energy. The possibility of a well-balanced black and white composition totally distorts the reality in front of you. There’s potential in everything. This makes shooting a compelling and intense experience, but also tedious and tiresome. This is why I will only schedule one photo session a week. I limit these sessions to 36 exposures of a B&W film. Each click of the button is a result of thought and consideration of both the subject and the outcome. Doors, in this respect, are very handy: they stand still which allows me to take time !
Shooting on film does not bring immediate gratification. Waiting for your photos to be developed in order to view your work can be frustrating. However, I enjoy this pause. It creates desire. It’s a moment of reflection and anticipation. The final, and most important stage, is editing your film. When you discover your contact sheet, you realize that only about 5 or 6 images work. But this can be temporary. What you initially fall in love with may turn out to be uninteresting months later. And you might disregard a shot, only to discover and appreciate its beauty 20 years later. It’s a humbling experience. Among all of my negatives, I am sure that I haven't seen everything yet. Photography is like a good sauce dish. You have to resist the urge to dig in and let it rest to make it tastier. Only time says what is truly worth remembering.
Pour me protéger du monde actuel qui vole constamment notre attention, j'aime me concentrer sur un même sujet pendant une longue période. J’utilise depuis toujours le même matériel analogique qui requiert beaucoup de temps et de patience.
Le choix unique d'un sujet pourrait être assimilé à une contrainte. Il m’ouvre au contraire un champ large de possibilités. C'est la discussion que j'ai avec moi-même au fil du temps qui est mon moteur. Je me demande souvent comment approfondir et renouveler ma façon de photographier un même sujet ? Tout peut être beau. Il suffit juste d’accorder à ce qu’on regarde du temps et de l'attention.
De par ses différentes étapes éloignées dans le temps, la photographie argentique est un art unique. Le temps qui passe est un élément essentiel du processus, plus important que tous les éléments techniques. Prendre des photos monopolise un type d'énergie très spécifique. Le fait de tout voir à travers la possibilité d'une composition en noir et blanc équilibrée déforme totalement la réalité. C'est à la fois intéressant et intense, mais aussi fastidieux et fatigant. C'est l'une des raisons pour lesquelles je ne fais environ qu’une séance photo par semaine. J'aime être limité aux 36 expositions de ma pellicule N&B. Lorsque j'appuie sur le bouton, c'est le résultat d'un processus de réflexion. Les portes sont très pratiques à cet égard : elles restent immobiles, ce qui me permet de réfléchir longtemps !
La technique argentique n'apporte pas de satisfaction immédiate. Il faut attendre que la pellicule soit développée avant de voir son travail. Certains considèrent cette attente comme frustrante. Je l'apprécie parce qu'elle crée du désir. Lorsque vous découvrez enfin votre planche contact, une moyenne de 5 ou 6 images sont dignes d'intérêt. Vous pouvez penser que l'une d'entre elles est formidable, et découvrir quelques mois plus tard qu'elle ne l'est pas vraiment. Et vous pouvez ne pas vraiment en remarquer une autre qui éclora 20 ans plus tard. Parmi tous mes négatifs, je suis sûr qu'il reste des photos à découvrir. Une expérience qui rend humble. La photographie est comme un plat en sauce. Il faut le laisser reposer pour qu'il soit savoureux. Seul le temps qui passe vous indique ce qui vaut la peine d'être retenu ou pas.
JOACHIM LOMBARD
Joachim Lombard, 49, has been an actor, director, screenwriter, editor, store clerk, photographer, art collector's assistant, real estate agent, translator and simultaneous interpreter. After almost 30 years of practice, it is in photography that he finds the most passion and meaning.
Joachim Lombard, 49 ans, a été acteur, réalisateur, scénariste, monteur, employé de magasin, photographe, assistant d'un collectionneur d'art, agent immobilier, traducteur et interprète simultané. Après presque 30 ans de pratique, c’est dans la photographie qu'il trouve le plus de sens.